一邊是的靈動清雅的鶴舞丹青，一邊是的排列有序的線條色塊，這奇異的組合構成了“韻律相暉——萊勒·卡爾哈爾德/魯曉波繪畫作品展”。萊勒是德國構成主義繪畫大師，與清華美院院長魯曉波既有師生之情，也有摯友之誼。

本次展覽是這兩位藝術家的雙個展，當中國水墨意蘊遇上西方抽象格律，雙方既有激蕩碰撞，又有融合借鑒，為市民奉上了一場新奇的視覺享受，同時“看不懂”的構成主義繪畫，也刷新著公眾對于藝術的認知。

當中國水墨意蘊 遇上西方抽象格律

“韻律相暉”展覽4月9日在石家莊市美術館開幕，共展出萊勒·卡爾哈爾德和魯曉波的繪畫作品86件。1號展廳展覽展示的是魯曉波的水墨畫，絕大多數作品的主角是鶴，也有幾幅水墨孤鷹。魯曉波先生的鶴或輕歌曼舞、或寧靜安詳、或騰空飛翔，清雅而柔美的畫面，仿佛能讓人聆聽到無聲的天籟，水墨意韻躍然紙上。伴隨著在大廳里回蕩的空靈鶴鳴，觀摩著一幅幅靈動不羈、風姿萬千的丹頂鶴，仿佛在讀一首首飄逸超拔的詩，心境隨之也復歸寧靜與安然。

相對而言，德國畫家萊勒·卡爾哈爾德的作品讓人覺得陌生而新奇。他的作品都是不同顏色的色塊或不同粗細的線條排列而成，有一種耐人尋味的秩序感。如《和諧的十字》《在巴比倫的吸血鬼之舞》《對話組合》等系列，色彩鮮明醒目，即使紅、綠這種互不兼容的顏色，也能形成一種和諧的撞色。

萊勒·卡爾哈爾德先生曾擔任卡塞爾藝術學院院長，終身致力于構成主義的研究與實踐。跟他具有明顯的序列性和系列性的作品一樣，萊勒先生是一位理性嚴謹而富有激情的人。本次展覽策展人、市美術館館長劉鋒介紹，雖然已經年過八旬，但布展前他堅持親自來到展廳，“轉了一會后，他拿著我們展區平面圖畫了一個小時，標注尺寸、選哪幅畫、怎么布展等。回去后他又做了一個模型。”

東西方藝術在對話中 相互借鑒

看似截然不同的兩種藝術被放在一個展覽里，代表著中德不同哲學體系和繪畫體系的對話。雙方既有激蕩碰撞，又有融合借鑒，就像本次展覽的學術主持、原故宮博物院副院長李文儒所說的：“兩位畫家的畫充分體現了‘舞動的理性和理性的舞動’，中西方兩種藝術互相吸收、互相借鑒，水墨意蘊與抽象格律相互輝映。”

從藝術表現形式上看，魯曉波的畫全是靈動的曲線，萊勒的畫全是直線。但在魯曉波的繪畫中，我們亦能看到他作為設計師的巧妙，墨線和色韻都顯示出一種理性的師法傳統。魯曉波早在留學德國期間便開始畫鶴，他將西方藝術的求實求動的方法和中國藝術的求虛求靜的意境結合起來，使他的畫面呈現出與眾不同的音律與氣韻。

而萊勒先生的畫，運用形與色這對最基本的繪畫造型要素，以最純粹方式構建新的思維緯度及美學思考，和諧有序的畫面突顯格律之美。研究和尋求著生命的用力、平衡、秩序，是萊勒一生創作的主題。在上世紀八十年代，他無意間獲知，為之實踐了數十年的藝術探索源自于中國數千年前的“洛書”，他的“格律秩序”“和諧數理”排列完全對應“洛書九宮”，讓他興奮不已。

從表象上，他們是東方與西方、具象與抽象、傳統與現代，但他們都表達著或者尋找著一種獨特的文化底蘊，這種獨特的文化底蘊體現著一種各自的生命觀，體現著人與自然和諧共生的生命意向和生命哲學。

當代藝術展更強調“觀念性”

無獨有偶，就在“韻律相暉”開幕的同一天，萬營藝術空間的“成·物——藝術家案例研究系列（第一回）”展覽也拉開帷幕。展覽邀請到李青、王郁洋和孔令楠三位具有代表性的當代年輕藝術家，并由萬營藝術空間藝術總監鄭妍女士親自擔任策展人。

鄭妍告訴記者，現在藝術家們討論的問題、涵蓋的面越來越廣，他們在藝術實踐和藝術創作的過程中給予了更多的思考，在他們作品中你會看到很強的“觀念性”。比如，李青的作品主要圍繞著語言、圖像、日常物之間的關聯性及其內在的歧義和悖論展開，而孔令楠的繪畫，以人造的霓虹燈線條與凝重理性的深色背景形成的巨大反差，營造一種超乎客觀存在的情境。

王郁洋善于運用多媒體等高科技手段來進行創作和表達，他的作品吸引了眾多觀眾圍觀、討論。《隱形雕塑》系列作品，造型來源于雷達反射專業的博士之手，這些具有審美意義的造型在雷達反射領域是不存在的，但王郁洋運用漢白玉雕鑿、不銹鋼敲造、金屬鍍金等材料和工藝將它們制作出來，并賦予《生命》《無窮住》《沉睡的繆斯》等詩意的名字。王郁洋的很多作品都是跨領域合作的，比如《線》是跟清華腦神經工程的專家合作，《圖與字》跟國家編碼中心的專家合作，“在這個過程中你會發現，你的領域和另一個領域碰撞的時候會產生更多新的認知。”

看這樣的展覽需要相關知識儲備

1793年，法國盧浮宮憑著公共啟蒙的文化自覺與文化理想,對法國普通民眾打開了大門。近年來，我國也將美術館等公共文化場館免費開放，標志著美術館的公共性不僅是面對文化精英，更是面對普通觀眾的。

但上述展覽對于普通觀眾來說，更多意味著“看不懂”和誤讀。

展覽開幕上藝術家云集，筆鋒、用色、留白、神韻……點評起作品來頭頭是道。但隔一天記者再去展廳，觀展的多是普通觀眾，他們更多說的是“這是什么意思”“你看懂了嗎”。

在“韻律相暉”展覽開幕式上，萊勒先生說，“我的畫是可以講故事的。”但對于沒有構成主義繪畫知識儲備的普通觀眾而言，他的畫就是十字架和方塊、黑白和彩色。同樣，如果不是有王郁洋在現場講解，他的作品也會令人感覺一頭霧水。

而且跟欣賞傳統美術作品不同，當代藝術展中到處都是“陷阱”，一不小心就會“誤讀”。比如李青有一個影像作品《甜味雕像》，藝術家把用巧克力醬滴到普希金的雕塑上，代表著甜俗的消費文化對浪漫精神的遮蔽。這是一種比較激烈的表達方式，意在激起觀眾的反思。但由于影像作品是循環播放的，如果你正好先看到的是覆滿巧克力醬的雕塑，轉一圈回來你會發現雕塑上的巧克力醬反倒少了，對于作品的理解可能會跟作者的意圖正好相反。

看不懂的展覽 拓展公眾對藝術的認知

大家看不懂的展覽，還有舉辦的意義嗎？

劉鋒認為，越是大家看不懂的展覽，越要更多地舉辦。

一方面，美術館會通過講座、講解，或者展覽的前言、手冊等材料，給大家有一個解讀，讓大家能看懂。另一方面，大家看不懂是因為缺少欣賞這樣藝術的知識儲備。劉鋒說：“我們從小接受的這種美學教育還是偏傳統的，習慣欣賞寫實、具象的作品。而西方的美術史三百年以前已經從寫實走向了印象派，又從印象派走向了抽象派。我們不去界定和篩選藝術形式，讓大家多接觸不同的藝術形式，拓展公眾對藝術的認知。”

就拿萊勒先生的畫來說，2013年11月，他的畫才首次在國內展出，這是萊勒的作品第三次在中國展出，所以石家莊的觀眾感覺陌生并不意外。但因為這個展覽，讓石家莊的觀眾一窺構成主義的藝術創作面貌，可能就會有“看不懂”的觀眾回去會搜一下什么是構成主義。“將來他欣賞下一個展覽的時候，可能會有其他的這種信息不斷補充，那么他的藝術欣賞水平也好，他對藝術的認知也好，會更全面。”

看不懂的時候，我們應該怎樣欣賞藝術展？劉鋒的建議是，越是看不懂，就越應該多看，時間長了，我們內心就會有一個自己的解讀。因為藝術有兩個功能，一個是讓你看懂，看明白，還有一個是潛移默化地提升你的藝術修養。